Michael Aaron Einziger (21 de junio 1976, Los Angeles, California) es conocido, principalmente, por ser el guitarrista y co-autor de la banda Incubus, pero además Mike es un multi-instrumentista capaz de tocar instrumentos tan variados como piano, sitar, Mellotron, sintetizadores, Fender Rhodes o incluso componer piezas sinfónicas como End.Vacuum, compuesto después de la operación de síndrome de tunel carpiano a la que tuvo que someterse y como consecuencia suspender parte de la gira de Incubus “Light Grenades” .Según sus propias palabras “…un ataque de ansiedad orquestral en nueve movimientos y 45 minutos inducido por el insomio”. Mike Einziger tambien tiene su proyecto paralelo “Time Lapse Consortium“, formado en 2003 y que incorpora a los tambien miembros de Incubus Jose Pasillas (bateria), Ben Kenney (bajo) y cuyas composiciones pueden ser definidas como jazz-funk psicodélico inspirado por los grandes artistas y productores de los ‘50 y ‘60 como Quincy Jones, Esquivel o Sergio Mendes.

No sólo PRS...tambien Fender!

Incubus

Las trayectoria artística de Mike corre paralela a la de Incubus. De hecho la banda se inció con el vocalista Brandon Boyd, el bateria José Pasillas y Mike Einziger como miembros fundadores y que además son amigos y  compañeros de escuela. En 1990, cuando se encontraban en 8vo. grado en la escuela A.E. Wright, José conoció al guitarrista Mike Einziger. Años más tarde, en Calabasas High, la dupla hizo amistad con el bajista Alex Katunich (Dirk Lance), quien fue explusado de una banda de jazz por no saber leer las partituras. El trío decidió juntarse para tocar sólo por diversión. Al comienzo tocaban covers de Metallica y Megadeth, en los cuales José tenía poco interés. Estos covers les ayudaron a ganar una pequeña reputación y convertirse en la atracción musical local. Tiempo después mientras Brandon y José asistían al Moorpark Community College, Mike decidió probar suerte en la banda de una artista desconocida en ese entonces, Alanis Morissette. Esta pequeña separación pareció caerles muy bien, pues la banda regresó con fuerza para continuar con sus presentaciones. Después, lanzaron su primer demo llamado ”Closet Cultivation”. Influenciados por sonidos como Primus, Mr. Bungle, The Police, Deep Purple, Faith No More y Red Hot Chili Peppers pero tienen tendencias actuales y cambiantes. Han influído mucho en el rock alternativo. Una de sus principales características es la capacidad de combinar jazz y funk con sonidos contundentes de guitarras, siendo capaces de mantener una gran intensidad y unas complejas melodías en cada una de las líneas intrumentales y de voz.

Incubus

Incubus había estado grabando sus demos usando una máquina casera, hasta que Mark Shoffner, un manager, les ofreció un estudio para grabar sus canciones , sin ningún contrato de por medio. De esta forma, el 7 de enero de 1995, la banda lanzó el demo ”Incubus”. Unos diez meses más tarde, después de grabar con Jim Wirt en Santa Mónica, California, Incubus lanzó su primera producción bajo el sello independiente ”Stopuglynailfungus Music On Chillum”. El lanzamiento fue el 1° de noviembre de 1995 y se llamó ”Fungus Amongus”.

En su primer disco,”Fungus Amongus”, resaltan influencias de Primus, Mr. Bungle, Red Hot Chili Peppers y Faith No More. Este material tiene un sonido jazz que poco a poco lo evolucionaron hasta llegar a un estilo propio, más hard rock y caracterizado por los sonidos de la guitarra de Mike y por la voz inconfundible de Boyd.

Después de lanzar el disco que les dio el empujón, ”S.C.I.E.N.C.E”, se les une DJ Kilmore (Chris Kilmore) ya que DJ Lyfe (Gavin Koppell) no se presentó a las últimas grabaciones del disco y tuvieron que reemplazarlo. En este material llevaron un sonido más característico, canciones frenéticas pero con una gran gama de riffs y combinaciones en todos los instrumentos.
En el siguiente CD, ”Make Yourself”, ya tienen una calidad de sonido único como puede apreciarse en canciones como ”Drive” o ”Stellar”, que son más alternativas que lo que habían hecho antes. Boyd toma su lugar como vocalista y compositor, recurriendo a una gran profundidad en sus letras.

Después del auspicioso ”Make Yourself”, Incubus regresa a los estudios para producir su próximo disco. Curiosamente, para la producción se alojaron en una cómoda mansión ubicada en una calle llamada ”Morning View”, que resultó finalmente ser el nombre del disco. ‘‘Morning View” destacó con sencillos como ”Wish You Were Here”, ”Nice To Know You”, ”Are You In?” y ”Warning”.

Incubus sufrió la separación de su bajista Alex Katunich (Dirk Lance), por supuestas “diferencias musicales”. Ésta perdida representa el alejamiento del jazz y funk que pudo conseguir en otros discos. En su lugar, fue convocado el bajista Ben Kenney, ex guitarrista de The Roots, y bajista del proyecto paralelo de Mike Einziger y José Pasillas, denominado Time Lapse Consortium.

A mediados del 2004, la banda lanza al mercado su disco titulado ”A Crow Left Of The Murder…”, con el que intentan retomar de cierta forma el sonido que habían logrado en sus trabajos anteriores (”S.C.I.E.N.C.E.” y ”Enjoy Incubus”), sin dejar de lado las baladas que les dieron tanto éxito en sus álbumes más recientes. El primer sencillo de este álbum fue ”Megalomaniac”, un tema algo polémico por la rudeza de sus líricas y por las imágenes tan cargadas de contenido político y social que se muestran en su respectivo video, realizando analogías con la imagen de Adolf Hitler, Jesús de Nazaret y los gobiernos actuales de occidente. A este sencillo le seguirían temas como ”Talk Show On Mute”, ”A Crow Left Of The Murder”, ”Sick Sad Little World”, ”Agoraphobia” y ”Leech”, como los más representativos.

El 28 de noviembre de 2006 Incubus sacó a la venta un nuevo material discográfico, siendo este el sexto álbum de la banda bajo el nombe de ”Light Grenades”. ”Anna Molly” sería el primer sencillo el cual configura un juego de palabras, con el nombre de una chica perfecta y que todo hombre quisiera tener pero solo existe en sueños y la palabra ”Anomaly” (Anomalía) . El presente álbum se asemeja en cierto grado al ”A Crow Left Of The Murder…”, tanto en la imagen que la banda desea reflejar hacia el público como en la parte musical propiamente dicha. ”Es como si 13 bandas diferentes tocaran 13 canciones para este álbum” (es lo que Mike Einziger a comentado a sus fans). Temas como ”Dig”, ”Light Grenades”, ”Love Hurts”, ”Oil And Water” y ”A Kiss To Send Us Off” reflejan un gran sentido ideológico con respecto al amor y sus consecuencias.

El último lanzamiento de Incubus es “Monuments and Melodies” un especie de recopilatorio, rarezas no editadas y algunas nuevas grabaciones en formato de doble cd y 26 canciones.

Mike Einziger. Estilo y equipo.

Mike + PRS

 Si bien su estilo no es muy técnico y prácticamente no hay líneas solistas en los álbumes de la banda, ha conseguido un sonido bastante característico y muy adecuado a la diversidad de estilos del quinteto.

El estilo de Einziger tiene muchos toques de jazz –de hecho, dice que sus primeros intentos en la guitarra fueron tratando de imitar la voz de Ella Fitzgerald- y además influencias del funk-metal de los 90’s. Quizás por esto su principal guitarra es una Paul Reed Smith de caja, la cual tiene una electrónica suficientemente poderosa y orientada para obtener sonidos saturados y distorsionados, pero es capaz además de dar limpios clarísimos. Además de ésta, utiliza frecuentemente una PRS de cuerpo sólido y una cítara eléctrica Jerry Jones. Además, para la sesión acústica que hizo la banda usó varias guitarras Martin y Taylor. Ultimamente varia mucho los modelos de instrumentos que utiliza siendo tambien normal verlo con toda una colección de modelos clásicos de Fender.

Set de Jazzmasters

Para lograr la multitud de sonidos que se encuentran en los discos de la banda, Mike prefiere una variedad de pedales análogos, como un Hughes and Kettner Rotosphere, imitación del clásico Rotovibe, dos unidades Boss Super Phaser PH-2, que a veces utiliza simultáneamente con configuraciones distintas, lo que crea un sonido extrañísimo. A continuación en la cadena sigue un modulador DOD FX-13, un reverb digital Boss RV-3, un phaser MXR Phase 90, un filtro DOD FX-25, un compresor Boss CS-3, un flanger DOD FX-75, un ecualizador Boss GE-7 y un octavador Boss OC-2. Luego de esta larga cadena de pedales, una caja Ebtech se encarga de eliminar el ruido. Todos estos efectos pasan por un sistema inalámbrico Nady y un afinador de rack Korg DTR-1.

Finalmente, la potencia viene de un cabezal Mesa Boogie Dual Rectifier Tremoverb, el cual alimenta dos cajas 4×12 Mesa con altavoces Celestion de 30 watts.

Configuración de Mike Einziger

John Petrucci

Petrucci/Music Man

John Peter Petrucci nació el 12 de julio de 1967, se crió en Kings Park, Nueva York, un pequeño pueblo residencial de Long Island. John comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y rápidamente se dio cuenta de que la música era su pasión y que la búsqueda de la excelencia en su instrumento se va a convertir en su mayor obsesión durante los años venideros. Para ello, practica por lo menos 6 horas al día en un esfuerzo por su comprensión y capacidad técnica como guitarrista. Algunas de sus primeras influencias incluyen a Steve Morse, Al DiMeola, Steve Howe, Allan Holdsworth, Stevie Ray Vaughan, Randy Rhoads, Joe Satriani, Steve Vai, Alex Lifeson, Yngwie Malmsteen, Yes, Iron Maiden, Metallica. A los 18 años después de graduarse de la escuela secundaria, estudió en el Berklee College of Music de Boston juntocon el bajista John Myung, ambos conocen  al bateria Mike Portnoy y rápidamente formaron el núcleo de lo que sería Dream Theater. Petrucci afirma que ahora no practica tanto como cuando era joven, en lugar de ello trata de mantenerse en forma y calentar para no tener lesiones. Sus tecnicas favoritas son el picking, mediante fragmentos de escalas, el legato, sweet picking y el estudio de compacses poco corrientes (5/4, 5/8, 7/4, 7/8) conocidos como old meters, que utilizaban los grupos progresivos de los setenta como Yes, King Crimson y Rush los cuales fueron gran influencia para Dream Theater.

Petrucci con Dream Theater

En 1995, John lanzó su primera video instructivo llamado “Rock Discipline” y también fue columnista en la revista Guitar World Wild Stringdom. En 1998 y 1999, John lanzó “Liquid Tension Experiment” y “Liquid Tension Experiment 2“, respectivamente, junto con compañeros Mike Portnoy, Jordan Rudess y el inimitable Tony Levin en el bajo. El año 2000 trajo consigo la creación del sello discográfico “Sound Mind Music” cuyo primer lanzamiento fue “An Evening With John Petrucci y Jordan Rudess”, un concierto acústico en vivo instrumental para guitarra y piano grabado en junio de ese año en el Helen Hayes Performing Arts Center en Nyack, NY. En 2001, John se unió a la gira americana de G3 con Joe Satriani y Steve Vai. Actuó como un trío con sus compañero de Dream Theatre Mike Portnoy en batería y el bajista Dave LaRue de la Steve Morse Band. John posteriormente continua con las giras en México y Japón con Joe y Steve ( “G3 Live in Tokyo” fue lanzado en 2005), América del Sur con Joe Satriani y Eric Johnson, Australia, con Joe Satriani y Steve Morse y otra vez en América del Norte en 2007 con Joe Satriani y Paul Gilbert.

Satriani, Gilbert y Petrucci en gira con G3

En 2005, John lanzó su primer y muy esperado disco en solitario titulado “Suspended Animation” con su propia discográfica Sound Mind Music.

John es endorser de  Ernie Ball/Music Man, con varios modelos signature, algunos modelos con la etiqueta BFR Ball Family Reserve con especial elección de las maderas y acabados, DiMarzio (Crunch Lab y Liquifire), Mesa Boogie, Jim Dunlop…

Ernie Ball/Music Man John Petrucci BFR black

Ernie Ball/Music Man John Petrucci blue

Ernie Ball/Music Man John Petrucci red

Ernie Ball/Music Man John Petrucci walnut

DiMarzio Crunch Lab

Rack de la gira: Mesa Boogie, TC Electronics M3000, Eventide 7600...

 

Set utilizado en giras anteriores

 

Discografia

* Various Artists – “Guitar Battle” (1988)
* Dream Theater – “When Dream And Day Unite” (1989)
* Dream Theater – “Images & Words” (1992)
* Dream Theater – “Live At The Marquee” (1993)
* Dream Theater – “Awake” (1994)
* Dream Theater – “A Change Of Seasons” (1995)
* Working Man – “Rush Tribute” (1996)
* Dragon Attack – “A Tribute To Queen” (1997)
* Dream Theater – “Falling Into infinity” (1997)
* Liquid Tension Experiment (1998)
* Explorer’s Club – “Age Of Impact” (1998)
* Dream Theater – “Once in a LIVEtime” (1998)
* Jon Finn Group – “Wicked” (1998)
* Liquid Tension Experiment 2 (1999)
* Dream Theater – “Scenes From a Memory” (1999)
* An Evening With John Petrucci & Jordan Rudess (2000)
* Jordan Rudess – “Feeding The Wheel” (2001)
* Dream Theater – “Live Scenes From New York” (2001)
* Dream Theater – “Six Degrees Of Inner Turbulence” (2002)
* Dream Theater – “Train of Thought” (2003)
* Dream Theater – “Live At Budokan” (2004)
* John Petrucci – “Suspended Animation” (2005)
* Dream Theater – “Octavarium” (2005)
* G3 – “Live in Tokyo” (2005)
* Derek Sherinian – “Blood Of The Snake” (2006)
* Dream Theater – “Score” (2006)
* Marty Friedman – “Loudspeaker” (2006)
* Dream Theater – “Systematic Chaos” (2007)
* Dream Theater – “Black Clouds & Silver Linings” (2009)

Videografía

* Images And Words: Live In Tokyo Dream Theater (1993)
* Rock Discipline John Petrucci (1995)
* Progressive Bass Concepts John Myung (1996)
* 5 Years In A LIVEtime Dream Theater (1998)
* Metropolis 2000: Scenes From New York Dream Theater (2001)
* Mystic Dream Excercise John Petrucci (2002)
* Live at Budokan Dream Theater (2004)
* Live in Tokyo G3 (2005)
* Score: 20th Anniversary World Tour Live With The Octavarium Orchestra Dream Theater (2006)
* Chaos in Motion Dream Theater (2007–2008) 

Lester y su Gibson "Les Paul" model

Les Paul, inventor de la guitarra eléctrica Gibson Les Paul, murió el pasado jueves, 13 de Agosto, en un hospital de White Plains, en el estado norteamericano de Nueva York, por complicaciones derivadas de una neumonía. El pasado 9 de Junio había cumplido 94 años.

Nacido como Lester William Polsfuss pero apodado “Red”, era originario de Waukesha, Wisconsin, y desde muy pequeño se dedicó a la armónica y al piano de casa, aunque la radio despertó en él un interés tan especial que empezó a experimentar, tratando de amplificar la guitarra a través del receptor. La llegada de Rick Thompson y sus Texas Cowboys a su ciudad natal le permitió ingresar en el grupo como guitarrista, aunque no le permitieron olvidar los estudios y hubo de culminar su etapa escolar. En 1929 marchó con su amigo Joe Wolverton a Springfield, Missouri, formando Sunny Joe & Rhubard Red y actuando en diversas emisoras de ese Estado, además de en las de Chicago, Illinois. Allí fue dondeLes Paul se interesó por el jazz, lo que provocó la disolución del dúo. Se hizo con un grupo de acompañamiento que llamó The Rubes, convertidos después en Les Paul And The Melody Kings. Hacían country y jazz y el artista simultaneaba la guitarra y el piano en escena, pero tras escuchar a Art Tatum decidió concentrarse en el primero de los instrumentos.

Sus primeras grabaciones las realizó como Rhubarb Red para Sears Roebuck, sin ninguna repercusión comercial. En 1936 registró 19 temas de blues con Georgia White para Decca, tres años antes de formar Fred Waring’s Pennsylvanians que desèrtaron un enorme interés popular. Aquel trío lo completaban Jim Atkins, hermano del archifamoso Chet, y Ernie Newton. La formación grabó con Okeh y Vocalion hasta que Les Paul tomó el puesto de Director Musical de dos emisoras de radio en Chicago mientras tocaba con la big band de Ben Bernie cinco días a la semana. Fue por entonces cuando realiza su primer diseño de cuerpos para guitarras eléctricas, que sería conocido como Gibson Les Paul.

Les Paul y su prototipo apodado "The Log"

Lester comento  respecto a la producción de su prototipo: “Lo que quería era no tener objetos que vibraran. Quería que vibrara la cuerda, y nada más”. No es que a la casa Gibson le impresionara inicialmente el invento, de hecho en un primer contacto el diseño fue rechazado por parecer un “palo de escoba con púas”. Leo Fender y su Fender Broadcaster le ganaron la mano y, finalmente, el presidente de la empresa, James Verdon, contrató a Paul como asesor para sacar una guitarra al mercado, una colaboración de la que nacería la primera Gibson Les Paul.

Gibson Les Paul Traditional

En 1943 marchó con Bernie a Los Angeles, California, pero este murió de forma repentina y formó un nuevo grupo, con quienes grabó “Blue Skies” y “Dark Eyes”, avanzando considerablemente en el aspecto técnico. A su vez, puso en marcha trabajos con otros artistas de Decca como Bing Crosby aparece con su trio en “It’s Been A Long Long Time”, “Pretending” y “Gotta Get Me Somebody To Love” , las Andrew Sisters, Terry Shand & The Delta Rhythm Boys y otros. La banda fue cambiando de componentes, pero el estilo de Les Paul se imponía en grabaciones como “Guitar Boogie” y “Steel Guitar Rag”. Esa etapa californiana no ignora el country & western, apareciendo como Rhubarb Red And His Ozark Apple Knockers en la cadena de televisión NBC. Fue por entonces cuando otro de los guitarristas más brillantes, Merle Travis, le recomienda a una vocalista llamada Colleen Summers, que cambió el nombre por el de Mary Lou al trabajar con Les Paul. El guitarrista sigue experimentando ahora ya con estudio propio instalado en su garaje , con resultados excelentes en temás del calibre de “Lover”, “Brazil” y “Nola”. Este útimo sería su primer éxito en 1950 ya con Capitol.

En su primer regreso a casa, tocando en la taberna que la familia poseía en Wisconsin, Mary Lou reemplazó a un incompetente guitarrista que tenía el grupo. Les Paul decidió superponer su voz y su guitarra en los registros que ya había realizado, cambió su nombre por el de Mary Ford y se casó con ella en 1949. Había nacido un tándem espectacular: Les Paul & Mary Ford. Junto a ella apareció en los primeros puestos de las listas de éxitos más de dos docenas de veces y fue, con Hank Garland y Grady Martin, uno de los grandes innovadores de la guitarra eléctrica. El desarrollo de ese instrumento y de las técnicas de grabación tienen mucho que ver con la figura de Les Paul. Fue un pionero en el diseño de los cuerpos sólidos de la guitarra eléctrica, de las grabaciones multipistas y de los efectos de eco y reverberación.

Les Paul en su otra faceta de inventor

En aquel periodo de tiempo hay que reseñar los éxitos más sobresalientes de su carrera, como “Mockingbird Hill” (No. 3 – 1951), “How High The Moon” (No. 1 – 1951), “Vaya Con Dios” (No. 1 – 1953) o “The World Is Waiting For The Sunrise” (No. 3 – 1953), El guitarrista fue inducido al Grammy Hall Of Fame en 1978 y a la Rock ‘n’ Roll Hall Of Fame diez años más tarde. Hasta hace poco tiempo, seguía actuando semanalmente en el Iridium Club ide la ciudad de Nueva York.

Chickenfoot son Michael Anthony, Sammy Hagar, Joe Satriani y Chad Smith

Si, has leido bien.

Un nombre estúpido (como dicen sus propios componentes) para una banda, tal vez una superbanda debido a las expectativas levantadas hasta el momento, pero seamos cautos: la unión de super egos no ha sido siempre garantía de éxito. Será este el caso?.

En primer lugar, consideremos la estelar formación. Joe Satriani, el dios de la guitarra, nacido en el fatídico 18 de septiembre de 1970. Era el día que Jimi Hendrix murió, y fue el mismo día en que Satriani, al escuchar las noticias,  decidió, a los 14 años, dedicar su vida a la guitarra eléctrica. Su álbum debut “Not of this earth” seguido por el que fuera disco de oro y consagración de guitarrista excepcional “Surfing with the alien” sólo fueron la premonición de numerosos éxitos platino y la confirmación de su actual status dentro de la guitarra rock. “Dreaming #11“, “Flying in a blue dream” y “The Extremist” catapultan a Satriani como referente. Posteriormente “The beautiful guitar“, “Time machine“, “Joe Satriani“, “G3 Live“, “Crystal planet“, “Engines of creation“, “Aditional creations“, “Live in San Francisco“, “Strange beautiful music“, “An anthology“, “G3 Rockin’ in the free world“, “Is there love in the space?”, “G3 Live in Tokyo“, “Super colossal“, “Satriani live!”, “Surfing with the alien 2007 edition” y “Professor Satchafunkilus and the musterion of rock” completan la aportación de Satch a la nueva dimensión de la guitarra rock.

Joe "Satch" Satriani

 Otro tipo que no necesita presentación, Sammy Hagar, el original “Red Rocker”, un miembro de ”Rock and Roll Hall of Fame” desde su  pertenencia a Van Halen, siendo el sustituto del icónico David Lee Roth, sin duda una tarea difícil, quien hizo su debut profesional como cantante de la tan venerada banda Montrose durante principios de los años 7o. Hagar llevó a la entonces formación Van Halen a nuevas alturas, consiguiendo varios nº1 y vendiendo millones de discos.

Sammy Hagar

Una gran banda no es nada sin una gran sección rítmica, y Chickenfoot tiene uno de los mejores en el equipo formado por el bajista Michael Anthony y el bateria Chad Smith.

Como miembro fundador (y compañeros de Rock and Roll Hall of Fame), de Van Halen, Michael Anthony estableció la base para que la guitarra del genial Eddie Van Halen pudiera volar. Además, proporcionó un estilo vocal de fondo que se convirtió en una parte intrínseca de la banda.

Michael Anthony

Al lado de Anthony está Chad Smith, batería de los Red Hot Chili Peppers desde finales de los años ochenta. Chad abandona el “funk/alternativo” de los Peppers para retomar el rock duro con Chickenfoot, y el sonido que crea puede ser toda una sorpresa para quienes sólo conocen  su trabajo en canciones como “Under the bridge“.

Chad Smith

Los miembros de Chickenfoot admiten que la banda se reune casi por accidente a consecuencia de las jams que se  celebran en el club de Hagar, Cabo Wabo Cantina, en Cabo San Lucas, Mexico, mientras simplemente se divertian, pensaron en que debian buscar un buen guitarrista. Con Satch, que casi había abandonado su sueño de pertenecer a una gran banda de rock, tuvieron una conexión casi inmediata y como nunca antes habian experimentado. Después de tan sólo unas pocas canciones, se hizo asombrosamente evidente que todos compartian una idea musical común. La única cuestión era:  se podría hacer un gran álbum?

Por el momento la banda ha vendido todas las entradas de su “North America Road Test Tour” y tiene previsto girar por Europa este verano, incluyendo una fecha en España (Madrid), el 1 de julio en una sala por confirmar.

Mas info?. Visita www.chickenfoot.us.

Mientras puedes ir saboreando algo de Chickenfoot aqui…

John Frusciante

John Anthony Frusciante (Nueva York, NY, Estados Unidos, 5 de marzo de 1970) guitarrista, cantante, compositor y productor estadounidense, que forma parte de la banda de funk rock Red Hot Chili Peppers. Frusciante ha desarrollado una activa carrera musical en solitario, ya que ha editado nueve álbumes y ha colaborado con artistas como Josh Klinghoffer y Joe Lally bajo el nombre de Ataxia. Al contrario que con su carrera en Red Hot Chili Peppers, sus trabajos en solitario tienden hacia el rock experimental, la música ambient, la new wave y la música electrónica.

Frusciante se unió a Red Hot Chili Peppers en 1988, después de la muerte por sobredosis de Hillel Slovak. Su primera aparición fue en el álbum de 1989 Mother’s Milk, para después grabar el clásico Blood Sugar Sex Magik, que se convirtió en un auténtico éxito. La repentina fama y las constantes giras hicieron que Frusciante abandonase la formación en 1992, y se recluyó en su casa para volverse adicto a la heroína y grabar una serie de discos en solitario. Ya en 1998, el guitarrista completó con éxito un proceso de rehabilitación que le permitió regresar a los Red Hot Chili Peppers el mismo año y grabar con ellos el disco Californication. Desde entonces, ha permanecido como miembro estable de la formación y uno de sus principales compositores. Fue elegido por la revista Rolling Stone en el puesto número 18 de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.

RHCP con Hillel Slovak

Ya en su adolescencia, Frusciante entró en contacto con la juventud angelina inmersa en el punk rock. A los nueve años, comenzó a escuchar a The Germs, y a los diez ya sabía tocar en su guitarra casi todas las canciones del álbum (GI), y comenzó a recibir clases de guitarra. A los once años descubrió a guitarristas como Jeff Beck, Jimmy Page y Jimi Hendrix, y poco después escuchó por primera vez a Frank Zappa. Durante su adolescencia llegaba a tocar sus temas hasta quince horas al día. A los dieciséis años, Frusciante dejó el instituto para dedicarse a la música, y se mudó al centro de Los Ángeles para mejorar sus técnicas musicales.

Cuando Frusciante tenía dieciséis años, vio por primera vez a los Red Hot Chili Peppers en concierto, y se convirtió en seguidor de su carrera, de tal manera que se aprendió las partes de bajo y guitarra de los tres primeros discos de la banda. Al frecuentar los conciertos de la banda, Frusciante se hizo amigo del guitarrista Hillel Slovak, con quien habló después del último concierto que daría el guitarrista israelí: «Hillel me preguntó, -¿Te seguirían gustando los Chilis si se convirtiesen tan populares como para tocar en el LA Forum?- Yo dije, -No. Lo arruinaría todo. Eso es lo bueno de la banda, que la audiencia no se siente diferente con respecto a ella en absoluto.- Existía realmente esta vibración en sus conciertos, nada de la frustración que recorre la audiencia cuando todo el mundo está saltando y el resto no pueden levantarse del sitio. Ni siquiera veía los conciertos. Me sentía parte de la banda, y creo que el resto del público también.»

Frusciante se hizo amigo del antiguo batería de Dead Kennedys, D.H. Peligro, en 1988. Improvisaron varias veces juntos, y Peligro invitó a su amigo Flea (bajista de los Red Hot Chili Peppers) a improvisar con ellos. Frusciante y Flea contactaron de tal manera que Flea dijo después que fue la primera vez que había tocado el riff de bajo de la canción «Nobody Weird Like Me» (presente en el disco Mother’s Milk, por aquel entonces aún sin componer). Alrededor de ese tiempo, Frusciante iba también a realizar algunas audiciones para ingresar en la banda de Frank Zappa, pero abandonó la idea cuando se enteró de que los integrantes de la banda de Zappa no podían consumir drogas de ningún tipo. En una entrevista, Frusciante dijo: «Me di cuenta de que quería ser una estrella del rock, tomar drogas y estar con chicas, y que no sería capaz de hacer eso en la banda de Zappa».

En 1988, Hillel Slovak murió de sobredosis de heroína, y el batería de Red Hot Chili Peppers, Jack Irons, dejó la banda al no ser capaz de asimilar la muerte de su amigo. Los restantes integrantes de la formación, el bajista Flea y el vocalista Anthony Kiedis, decidieron continuar con su carrera y contrataron a D.H. Peligro como batería y a DeWayne “Blackbyrd” McKnight como guitarrista, ex miembro de Parliament Funkadelic. Sin embargo, McKnight no acababa de convencer al dúo Flea-Kiedis, y decidieron buscar un sustituto. A Flea le vino a la mente aquella improvisación con John Frusciante, y rápidamente decidieron someterle a una audición y, posteriormente, aceptarlo en el seno de la banda como un reemplazo perfecto de McKnight, ya que, según Kiedis y Flea, John tocaba y se movía como Hillel Slovak sobre el escenario. Frusciante, que estaba a punto de unirse a la banda de punk Thelonius Monster, aceptó sin dudar.

Frusciante y su Stratocaster 1955 Sunburst

Poco después de la llegada de Frusciante al grupo, D.H. Peligro, quien comenzaba a abusar en gran medida de las drogas, fue despedido,y poco después la llegada de Chad Smith para cubrir su hueco hizo que los Red Hot Chili Peppers comenzasen a componer su siguiente disco, Mother’s Milk, en 1989. Durante las sesiones de grabación, Frusciante quiso emular al fallecido Slovak en lugar de centrarse en su propio estilo, algo en lo que no estaba de acuerdo el productor del disco, Michael Beinhorn, quien quería que su guitarra sonase en un tono de heavy metal poco común. Esto ocasionó diversos enfrentamientos entre Frusciante y Beinhorn, aunque al final acabó venciendo el punto de vista del productor.

El siguiente álbum de la banda fue Blood Sugar Sex Magik, y el segundo con Frusciante en sus filas. El productor del disco, Rick Rubin, pensó que la grabación del trabajo tenía que llevarse a cabo en un lugar poco frecuente Durante las sesiones de grabación, Kiedis, Frusciante y Flea se aislaron en la mansión y comenzaron a fumar grandes cantidades de marihuana, especialmente Flea y Frusciante.

Flea, Keidis, Smith y Frusciante: Red Hot Chili Peppers

Blood Sugar Sex Magik fue un auténtico éxito desde su publicación el 24 de septiembre de 1991. El disco alcanzó el tercer lugar de la lista del Billboard y vendió más de siete millones de copias sólo en los Estados Unidos. El inesperado éxito del trabajo convirtió a los Red Hot Chili Peppers en superestrellas, y Frusciante comenzó a sentirse incómodo con su nuevo estatus. Poco después de la edición del álbum, comenzó a disgustarle la amplia popularidad de la banda. Kiedis escribió en su autobiografía, titulada Scar Tissue, que él y Frusciante solían mantener acaloradas discusiones después de los conciertos. En opinión de Kiedis: John diría, «somos demasiado populares. No necesito estar a este nivel de éxito. Sólo estaría orgulloso de estar tocando esta música en los clubes en los que tocabais vosotros hace dos años». Frusciante diría después que el aumento de popularidad de la banda fue «demasiado alto, demasiado lejos, demasiado pronto. Todo parecía estar pasando a la vez y yo no pude hacerle frente». También comenzó a creer que el destino lo estaba alejando de la banda. Cuando los Chili Peppers comenzaron su gira mundial, Frusciante se convenció de que no podría hacerlo durante la misma, por lo que tenía que hacerlo ahora. Frusciante admitió una vez que había sido un placer vivir en una existencia hedonista; sin embargo, «a los veinte años comencé a portarme bien y a mirar la música como una forma artística de expresión en vez de una forma de ligarse a un montón de chicas. Para equilibrarme, tenía que ser muy modesto, muy antiestrella de rock». En otra entrevista, el guitarrista expresó: «No era un buen momento, no congeniábamos como personas, no es divertido estar en una banda con la que no disfrutas. Yo no toco para ganarme la vida, yo hago música porque amo hacerla y paso de estar con gente que no ama hacer música conmigo». Frusciante se negó a salir a escena en una actuación en el Club Quattro de Tokio, el 7 de mayo de 1992, diciendo que había dejado la banda. Al final, sus compañeros consiguieron convencerle de que tocase en aquel concierto, pero al día siguiente partió para California. Cuando el mánager de la banda le preguntó cómo podía explicar a los fans su repentina marcha, Frusciante respondió: «Díganles que me volví loco».

Frusciante y su Gretsch White Falcon 1955

A comienzos de 1998, los Red Hot Chili Peppers despidieron a su guitarrista Dave Navarro y estuvieron a punto de disolverse. Flea le dijo a Anthony Kiedis que la única manera de seguir con la banda era que John Frusciante volviese a ella. Con la alineación de los Red Hot completa, la banda comenzó a trabajar en su siguiente lanzamiento, Californication, editado en 1999. Con Frusciante volvió una pieza clave en el sonido de la banda, así como una inyección de moral y un gran impacto en la forma de composición de sus obras. Frusciante ha dicho en varias entrevistas que su álbum favorito es Californication.

Durante la gira de Californication, el guitarrista continuó escribiendo canciones, la mayoría editadas en el álbum en solitario To Record Only Water for Ten Days de 2001. Este trabajo fue una marcada separación con respecto a sus antecesores, al centrarse en el vanguardismo y con abundantes monólogos interiores. El estilo se separa también del rock alternativo de Californication, con influencias de la música new wave y la música electrónica. En lugar de enfocar su trabajo en la guitarra, se centró en los sintetizadores, pieza clave en esta grabación.

En 2001, Frusciante comenzó a grabar su cuarto álbum con los Red Hot Chili Peppers, By the Way. Mientras estaba escribiendo By the Way, Frusciante compuso también la mayoría de las canciones presentes en su siguiente álbum, Shadows Collide with People, así como la banda sonora de la película The Brown Bunny. El álbum marcó un cambio de mentalidad en Frusciante, hacia una concepción mejor formada de un grupo musical. By the Way fue lanzado el 9 de julio de 2002.

John con la Telecaster 1963 Sunburst

Shadows Collide with People, el cuarto álbum en solitario de Frusciante, salió al mercado el 24 de febrero de 2004. En el álbum se pueden escuchar apariciones de amigos del guitarrista, como Josh Klinghoffer, Omar Rodríguez-López, Flea y Chad Smith. En junio de 2004, Frusciante anunció que editaría seis discos en un periodo de seis meses:The Will to Death, Automatic Writing (bajo el nombre de Ataxia), DC EP, Inside of Emptiness, A Sphere in the Heart of Silence y Curtains.

A comienzos de 2005, el guitarrista entró en el estudio para grabar su quinto álbum con los Red Hot Chili Peppers, Stadium Arcadium, en el que domina su guitarra en la mayoría de las canciones, realizando también los coros. En los arreglos del disco, Frusciante utilizó una amplia gama de sonidos, que van desde los escuchados en Blood Sugar Sex Magik hasta los de By the Way. Varios críticos, e incluso el propio Frusciante, notaron la influencia de Jimi Hendrix en la mayoría de los solos del disco. Además, expandió la cantidad de efectos de su guitarra y empleó otros instrumentos, como el sintetizador y el melotrón.

Como continuación de Curtains, Frusciante publicó The Empyrean el 20 de enero de 2009. Además, según declaraciones del propio artista, no promocionará en concierto este disco, puesto que quiere enfocarse en su creatividad en lugar de presentar su música a la gente.

El estilo musical de Frusciante ha evolucionado a lo largo de su carrera musical. Aunque ya a comienzos de la década de 1990 los críticos comenzaron a reconocer su trabajo, no fue hasta la publicación de Stadium Arcadium cuando la crítica y el público comenzaron a alabar su estilo en las seis cuerdas. Frusciante atribuye esto a un cambio de enfoque, declarando que en el álbum había elegido un acercamiento a los patrones rítmicos inspirados en la complejidad de los trabajos de Jimi Hendrix o Eddie Van Halen. En grabaciones precedentes, sin embargo, Frusciante se centraba más en la influencia de los grupos de punk underground y músicos de new wave. Generalmente, su sonido está definido como una conjunción de los mejores guitarristas de la historia del rock. Todas las guitarras con las que ha ido de gira y grabado fueron fabricadas antes de 1970. Su instrumento más utilizado es una guitarra Fender Stratocaster Sunburst de 1962 que ha utilizado en todos los álbumes de los Red Hot desde su vuelta en 1998, aunque utiliza una distinta según crea que encaje mejor con la estructura de la canción que tenga que grabar. El instrumento más preciado de Frusciante es una guitarra Gretsch White Falcon de 1955, que usó dos veces por concierto durante la gira By the Way. Desde entonces, ha eliminado la White Falcon de su repertorio, diciendo que «no hay lugar para ella».

La técnica de Frusciante está centrada en la emotividad y la melodía más que en el virtuosismo.  Aunque algunos elementos de su virtuosismo pueden apreciarse en algunas de sus grabaciones, el propio Frusciante declaró que intenta que salgan lo mínimo a relucir. Piensa que la forma de tocar la guitarra no ha evolucionado mucho desde los años ‘60, especialmente desde que se retiró Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, y considera que los mejores guitarristas de esa década son imbatibles. Durante su adolescencia, muchos guitarristas del mainstream elegían centrarse en la velocidad. A causa de esto, cree que muchos guitarristas de punk y new wave han sido pasados por alto. Esta es la razón por la cual Frusciante prefiere centrarse en sus capacidades melódicas inspiradas en guitarristas como Matthew Ashman de Bow Wow Wow y Bernard Sumner de Joy Division. Frusciante cree que el estilo de estos músicos no ha sido desarrollado al máximo por haber sido dejados de lado, razón por la cual prefiere partir desde esa dirección. Sin embargo, se considera fan de guitarristas técnicos como Steve Vai o Randy Rhoads, pero intenta reprimir el deseo de imitarles: «La gente cree que por tocar más rápido y por crear nuevas técnicas puedes progresar adelante, pero entonces se dan cuenta de que emocionalmente no han progresado en absoluto. No transmiten nada a la gente que está escuchando y dicen que están donde Hendrix estaba hace tres décadas. Algo parecido le pasó a Vai en los ‘80». Creyendo que enfocarse sólo en tonos claros es negativo, Frusciante desarrolló su propio estilo que él mismo llamó como “sucio”. Como resultado, cree que es bueno «maltratar» a la guitarra y probar varias formas de distorsión en los solos. Dice también que intenta romper tantos límites estilísticos como puede, con el fin de expandir sus horizontes musicales. Frusciante afirmó que muchas obras de los guitarristas contemporáneos sufren de una falta de originalidad, y que muchos de sus contemporáneos siguen las reglas sin arriesgarse.

John Frusciante

A lo largo de los años, Frusciante ha variado su forma de componer álbumes. En sus primeras grabaciones, dejaba que las imperfecciones entraran en el disco. Sin embargo, en posteriores álbumes como Shadows Collide with People se posicionó en la postura contraria: «Sólo quería que todo fuese perfecto. No quería nada fuera de sitio, o fuera de tiempo, o cualquier cosa no intencionada». Frusciante ve la composición como un desarrollo progresivo: «Si una canción quiere venir hacia mí, siempre estoy dispuesto a recibirla, pero no trabajo en eso». Muchas canciones en solitario fueron escritas inicialmente con una guitarra acústica o una guitarra eléctrica sin amplificar. Frusciante cultiva una atmósfera propicia para componer al estar constantemente escuchando la música de otros y absorbiendo su influencia creativa. También prefiere grabar sus composiciones en casetes o cualquier otro equipamiento primitivo, siguiendo la línea de los artistas de lo-fi, ya que cree que el uso de material de grabación antiguo sirve para acelerar el proceso de grabación, y que las nuevas tecnologías aplicadas a la grabación dan sólo una ilusión de eficiencia. Frusciante intenta acortar lo máximo posible el proceso de grabación, porque cree que la música «viene viva cuando la creas rápido». También le satisface el reto de grabar algo en unas pocas tomas, afirmando que cuando los músicos son incapaces de sobrellevar la presión de tener que grabar algo rápidamente, a veces se frustran o se ahogan en el perfeccionismo.

Aunque Slovak y Hendrix fueron quizá las mayores influencias de John Frusciante antes de unirse a los Red Hot, otras formaciones que dejaron su impronta en Frusciante fueron Captain Beefheart, The Residents, The Velvet Underground, Neu! o Kraftwerk. A su vez, el propio Frusciante acredita como influencias para aprender a tocar la guitarra a Greg Ginn, Pat Smear o Joe Strummer, entre otros. En sus años de adolescente, comenzó a fijarse en Jimi Hendrix y Led Zeppelin, así como en otras bandas como Public Image Ltd., Siouxsie & the Banshees y The Smiths.  A Frusciante también le agradan músicos como Leadbelly o Robert Johnson, quienes influyeron notablemente en la composición de Blood Sugar Sex Magik. En Californication y By the Way, Frusciante extrajo la técnica de crear texturas tonales a través de varios patrones del guitarrista de post punk Vini Reilly de The Durutti Column y bandas como Fugazi o The Cure. Sin embargo, durante la grabación de Stadium Arcadium Frusciante se apartó del new wave y se concentró en emular músicos más espectaculares como Jimi Hendrix o Eddie Van Halen. En sus dos primeros álbumes en solitario, Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt y Smile from the Streets You Hold, se aprecia claramente la influencia de las composiciones en solitario del ex miembro de Pink Floyd, Syd Barrett, quien también pasó por un proceso de adicción a las drogas y depresión después de dejar su antigua banda, y de quien se considera admirador. Con su reciente trabajo en solitario, Frusciante ha citado la música electrónica como mayor influencia, entre la que se encuentran Ekkehard Ehlers, Peter Rehberg y Christian Fennesz. Sus intereses están en constante cambio, ya que cree que, sin cambio, no tendría ningún interés en tocar: «Estoy siempre tomando inspiración de diferentes clases de música, y voy a cada nuevo proyecto con una idea preconcebida de qué géneros son los que voy a mezclar».

Discografía:

Red Hot Chili Peppers:

Mother’s Milk (1989). Blood Sugar Sex Magik (1991). Californication (1999). By the way (2002). Stadium Arcadium (2006)

En solitario:

Niandra lades and usually just a t-shirt (1994). Smile from the streets you hold (1997). To record only waters for ten days (2001). Going inside (2001). Shadows collide with people (2004). The will to death (2004). DC EP (2004). Inside of emptiness (2004). A sphere in the heart of silence (2004). Curtains (2005). The Empyrean (2009).

Backstage:

Realmente John es un gran amante y gran coleccionista de guitarras vintage. Posee gran cantidad de instrumentos de diferentes épocas sumamente valiosos, todos anteriores a los 70, pero en las giras suele utilizar una serie reducida de ellos. Sus preferidos para girar con los RHCP son:

Fender Stratocaster 1955 Sunburst
Fender Stratocaster 1962 Sunburst
Fender Telecaster 1965 Sunburst
Fender Jaguar 1962 Red Fiesta
Gretsch White Falcon 1955 Blanca
Gibson ES-175 1950 Sunburst
Martin O-15s 1940 Clásica
Martin O-18 1940 Clásica
Maton Messiah 12 str. – Clásica

Set guitarras

El set de amplificación esta compuesto por:

Marshall Major 200 W.
Marshall Silver Jubilee
Marshall JTM 45
Fender Showman
Fender Twin Reverb

y algunos “gadgets” que utiliza John para modificar sus sonidos son:

Boss DS-2 Turbo Distortion
Boss MT-2 Metal Zone
Boss CE-1 Chorus
Boss CE-5 Chorus
Boss FV-50 Volume pedal
Ibanez WH-10 wah
Dunlop Uni-Vibe Stereo Chorus
Electro-Harmonix 16 seg. Digital Delay
Electro-Harmonix Big Muff Pi

Pedalboard de John Frusciante

En acción…

Gracias por volver…

Kiko Loureiro

Kiko

En septiembre de 2004,  Angra lanzó su más reciente álbum, el esperado ”Temple of Shadows“.
Trabajo diferente y que aporta muchos matices y nuevas tendencias – el disco muestra a Angra en su pico creativo y técnico. Una vez más, producido por Dennis Ward, “Temple of Shadows” demuestra también que el grupo logró extender su fama más allá del circuito del heavy metal, con la participación de la cantante y compositor Milton Nascimento.
Kiko lanza, en febrero de 2005 su primer álbum en solitario, “No Gravity”. El disco fue grabado en mayo en Alemania, producido por Dennis Ward y el propio Kiko, y tiene trece pistas instrumentales. “No Gravity” cuenta con la participación del baterista Mike Terrana mientras Kiko toca los demás instrumentos – guitarra, guitarra, bajo, teclado, piano y percusión. El álbum se distribuye con gran repercusión dentro y fuera del mundo especializado de guitarra instrumental en Asia, Europa, EE.UU., Brasil y Argentina, creando una hotsite con toda la información, diarios, fotos de la producción del álbum (www.kikoloureiro.com.br / nogravity).

Tagima K1 Kiko Loureiro Signature

Tagima K2 Kiko Loureiro Signature

 

ESP KL Kiko Loureiro

ESP KL SE

Discografia en solitario:

No Gravity

Universo Inverso

Que escucha Kiko Loureiro?. Algunos de los artistas y álbumes favoritos son: Black Sabbath: Live Evil, Yngwie Malsmteen: Rising Force, David Lee Roth: Eat’em and smile, Edu Lobo & Tom Jobin: Edu y Tom, Van Halen, Miles Davis, George Lynch, Queen, The Beatles y Caetano Veloso

Kiko Loureiro en acción…

Paul Gilbert

Paul Brandon Gilbert nacido el 6 de noviembre de 1966 en Carbondale, Illinois. Comenzó a tocar la guitarra a los 5 años, y a los 15 apareció en la revista Guitar Player junto a Yngwie Malmsteen. En 1984 se mudó a Los Ángeles para ir a estudiar al Guitar Institute of Technology (GIT), del que fue profesor al año siguiente. Sus influencias van desde Eddie Van Halen e Yngwie Malmsteem hasta otras no tan comunes para un guitarrista de este estilo, como The Beatles, The Beach Boys y The Ramones.

Es considerado uno de los guitarristas más rápidos del mundo, por ello salió elegido dentro de los diez primeros en una encuesta de la revista Guitar One. No sólo se destaca por su habilidad en la guitarra eléctrica, sino que también ejecuta con la guitarra acústica a un gran nivel, como demuestra en sus discos Acoustic Samurai y Gilbert Hotel.

Paul y su colección

Ha editado algunos videos educativos, como Intense Rock – Sequences & Techniques, Intense Rock II, Guitars from Mars, Guitars from Mars II y Terryfying Guitar Trip, donde demuestra sus habilidades como guitarrista y como instructor, enseñando a tocar la guitarra con muy buen sentido del humor. Paul aplica este particular sentido del humor incluso a su equipo; basta con ver sus guitarras Ibanez (falsos agujeros en f pintados, palas invertidas, colores “discretos”, formas discutibles…) su equipo (botón de Taxi en el pedal Ibanez AF2) o darse una vuelta por su web www.paulgilbert.com y echar un vistazo a las fotos.

Fue miembro y fundador de Racer X y Mr. Big. En 1996 dejó el grupo Mr. Big (siendo reemplazado por Richie Kotzen) y comenzó su carrera solista. Usa guitarras Ibanez y tiene varios modelos propios, la série PGM. Hoy en día ya no usa guitarras con puente flotante, porque prefiere el sonido del puente rígido y el vibrato natural.

Paul comenzó a tocar la guitarra con cinco años pero pronto lo dejó desanimado. A la edad de 11 la retomó en plan autodidacta y de manera poco ortodoxa. Acabó asistiendo a clases, corrigió su técnica y en poco tiempo mostraría indicios de su virtuosismo. Con 14 años formó su primera banda llamada Missing Lynx en la ciudad de Greensburg. Tocaron juntos durante dos años y compusieron su propio material. Tras ello se unió a la banda local Tau Zero pero poco después la dejó para irse a California. Apareció entonces en la revista Guitar Player junto a un tipo en auge: Yngwie Malmsteen.

Paul con la PGM de doble mástil

Paul ganó el prestigio de ser uno de los guitarrista más rápidos del mundo, en parte, gracias a su quehacer en temas como Frenzy, Scarified, Technical Difficulties y Scit Scat Wah. Gilbert dejó Racer X en 1988, aunque se reunieron eventualmente en 1999, para hacer “Technical Difficulties”, “Superheroes”, “Getting Heavier” y el directo “Snowball Of Doom- Live At The Whisky GO GO”, pero todos estos sin la participación de Bruce Bouillet. Hasta la fecha no ha anunciado su disolución. Paul ha dicho en varias entrevistas que no descarta un nuevo disco de Racer X, ya que fue la banda en la que surgió, y que aún ama, aunque no asegura que sea la formación original ya que todos se encuentran muy ocupados con sus proyectos paralelos (Judas Priest, The Mars Volta, etc), por otro lado, Bruce estuvo de gira con Paul en el G3 ‘07, lo cual da esperanzas de una posible vuelta a Racer X.

Satch, Gilbert y Petrucci

Mr. Big

Cuando Billy Sheehan dejó el grupo de David Lee Roth en 1988 se unió a Paul Gilbert, que acababa de deja su anterior banda Racer X. Juntos fundaron Mr. Big junto a Pat Torpey a la batería y el cantante Eric Martin. El grupo tuvo un gran éxito en Japón y se hicieron famosos en 1991 con su segundo disco Lean Into It, el cual incluye la balada To Be With You, ampliamente difundida en los medios alcanzando el número 1 de las listas Billboard. Gilbert continuó tocando con Mr. Big hasta finales de los 90. Dejó la banda en 1997 para iniciar una carrera en solitario y fue reemplazado por Richie Kotzen.

En el recital que se llevó a cabo en el House of Blues, el 7 de Mayo del 2008, Paul dio una grata sorpresa al público, al invitar al escenario a Pat Torpey y luego a Billy Sheehan, y tocaron el famoso Daddy Brother Lover Little Boy, canción en la cual una parte del solo es tocada, tanto en bajo como en guitarra, con un taladro con púas pegadas en la broca.

Gilbert es capaz de adaptarse a una gran variedad de estilos como pop, rock, heavy metal, blues, jazz, funk y música clásica, pero su más conocida característica es su velocidad y versatilidad, hecho por el que la conocida revista Guitar One le nombró uno de los 10 shredders de todos los tiempos.

Paul...

Paul Gilbert tuvo su propia sección en la revista especializada británica Total Guitar donde enseñaba sus técnicas guitarrísticas en el CD de acompañamiento. Incluso antes de ello, contribuyó con artículos didácticos en la revista Guitar Player entre los 80 y 90. Este periodo de colaboración duró 31 ejemplares hasta Noviembre de 2006. También enseña guitarra en el Guitar Institute of Tecnology (GIT) y es decano del mismo en su sede de Japón. De hecho vivió una temporada en ese país tratando de aprender japonés de manos de Marty Friedman quien todavía vive allí y lo habla con fluidez. Uno de sus más exitosos estudiantes fue Brian Carroll, más conocido como Buckethead.

Se unió junto a Portnoy y Dave LaRue y Daniel Gildenlöw para un tributo a Led Zeppelin por una banda llamada Hammer of the Gods en el 2004 y de nuevo en septiembre del 2005 con Portnoy, Sean Malone y Jason Master en el tributo al grupo Rush por parte de Cygnus and the Sea Monsters. En el 2007 Paul estuvo promocionando su último disco Get Out my Yard en la que recaló en Bilbao amen de otras ciudades europeas. También participó en la gira del G3 con Joe Satriani

En la actualidad, Paul se encuentra de gira alrededor del mundo promocionando su último disco, Silence Followed By a Defeaning Roar, junto con su esposa, Emi Gilbert, en el teclado, Jeff Bowders en la batería y Mike Szuter en el bajo.

Gilbert con su nueva Ibanez PGM 401

Backstage

La colección de efectos de Paul es simplemente innumerable, pero los que usa más frecuentemente son un Boss CE-5 Chorus Ensemble, un Boss Delay DD-5, un Ibanez Tubescreamer TS9DX, un Electro-Harmonix Electric Mistress y un Flanger ADA original. En cuanto a amplificación Paul ha usado todo tipo de modelos y marcas, pero actualmente obtiene sus mejores sonidos con amplificadores Marshall, concretamente la serie Vintage Modern con válvulas de potencia KT88, incluso el modelo Randy Rhoads. En sus guitarras usa pastillas DiMarzio (compró su primera DiMarzio Super Distortion a los 12 años) Air Classic y Area’67 y, porqué no, la Super Distortion. Las cuerdas Ernie Ball, púas Tortex (0.60mm), auriculares de aislamiento completo para evitar el daño en los oidos y conseguir la monitorización perfecta de la mezcla, o los Ibanez AF 2 (modelo signature), HBE THC Chorus, Detox EQ, MXR Phase 90, THD Hot Plate son algunos de sus gadgets favoritos.

Ibanez AF2 Airplane Flanger Paul Gilbert

Detox EQ Gilbert

Por último… las guitarras. Paul es reconocido como un coleccionista de guitarras Ibanez, no sólo su modelo signature, la serie PGM, sino modelos antiguos de la marca y rarezas como Epiphone de escala corta. Gilbert cuenta como anécdota que un amigo le dijo que para qué tenía más de 100 guitarras si no las usaba. Su respuesta: en su último disco solista, “Burning Organ”, grabó una canción con ¡100 pistas de guitarra!… eso sí, con su increíble precisión, tocó todo muy parejo y no se notan.

Linea de modelos Ibanez PGM:

PGM 100

PGM 200PGM 300PGM 400

PGM 500

PGM 600

PGM 700

PGM 800 Limited

PGM 900

PGM 10th

PGM 90th Anniversary

Finalmente algunos videos del carismático Paul:

Thomas Baptist Morello nace el 30 de mayo de 1964 en Nueva York (USA), aunque crece y pasa su inancia en Libertyville, Illinoise. Mary Morello, la madre de Tom, es una de las fundadoras de la asociación ”Parents for Rock and Rap” una organización contra la censura en el mundo musical. Su padre fue un militar que estuvo en la batalla de Mau-Mau que liberaba Kenya de las órdenes británicas. Él mismo comenta que su educación política: “…empezó el primer minuto que tuve piel café y entré en un jardín de infancia interracial”.

Sus primeros contactos con la guitarra empezaron al escuchar a Kiss. Pagó 5 dólares para que le enseñaran, pero desafortunadamente lo primero que aprendio fue como afinar la guitarra. La siguiente semana, otros 5 dólares más, sirvieron para aprender la nota “do”. Eso fue todo, no volvió a tocar la guitarra durante años. Posteriormente oyó a los “Sex Pistols” y pensó que podia demostrar sus sentimientos e ideas políticas por medio de la guitarra, así que aprendió a tocar. Formó una banda llamada “Electric Sheep” con su compañero de colegio Adam Jones (Tool). Posteriormente estudió en Harvard, donde se graduó en Historia. Es entonces cuando empieza a practicar obsesionadamente casi 8 horas diarias con la guitarra. Tom decide trasladarse a Los Ángeles porque:…”supuestamente ahí era donde tenía que ir uno para formar una banda de rock”.

Morello, "Arm the Homeless"

Al pincipio Tom forma parte de muchas bandas, pero sin éxito alguno, así que sobrevive dando clases de guitarra. Conoce a Zack de la Rocha y forman Rage Against the Machine (RATM, “Ira contra la máquina”) en 1990 junto a Tim Commerford y Brad Wilk. Según Morello ”.. la máquina representa la globalización, el neoliberalismo, la alienación, el racismo, la brutalidad, la élite y la ignorancia…“. El grupo toca durante toda la década de los 90 con una sólida fusión de hip hop, rap, funk, punk, hardcore y hard rock o tambien definido como rap metal. El sonido que Tom Morello obtiene de su guitarra es uno de los más inconfundibles, personales y originales del panorama musical. El uso creativo de efectos (algunos averiados) para la obtención de sonidos, digamos poco usuales en una guitarra, el increible dominio del tempo y la fabulosa simplicidad de sus fraseos son una gran porcentaje de la base del éxito de RATM.

Discografia con RATM

“Rage Against the Machine”  fue lanzado por Epic en 1992 y permaneció en el top 200 del Billboard por 89 semanas. Siguieron de gira y participaron en varios conciertos benéficos: por Mumia Abu-Jamal, Leonard Peltier, la Liga Anti-Nazi y Rock for Choice. En 1993, aparecieron en Lollapalooza de nuevo y en Filadelfia elevaron su notoriedad mucho más, cuando hicieron una protesta contra la censura y el PMRC (organización de padres que pretende censurar las letras del rock y el rap), quedándose parados en el escenario completamente desnudos durante algo menos de 15 minutos, con acoples de bajo y guitarra zumbando. Pusieron cinta adhesiva sobre sus bocas, y letras, “P” “M” “R” “C” escritas en el pecho de los cuatro miembros de la banda. Tom dijo que “Fue para mostrar que si los fans no actuaban por su cuenta, no podrían ver bandas como nosotros”. Fue para despertar a la gente y mostrarle cual es la realidad que persigue a la comunidad artística.

Rage Against the Machine

A principios de 1996, RATM tocó en el Big Day Out en Australia y aparecen en el programa Saturday Night Live de NBC donde su actuación fue interrumpida después de su primera canción cuando el productor Brendan O’brien trató de colgar una bandera estadounidense al revés en los amplificadores para protestar por tener al candidato presidencial Steve Forbes como anfitrión invitado en el programa esa noche. Al día siguiente, el video de Bulls on Parade fue lanzado en MTV. Dos días después de eso, es lanzado Evil Empire, el segundo álbum de RATM, el disco entró en el top 200 en el puesto número uno, ganándole a “Jagged Little Pill” de Alanis Morisette. RATM encabezó su propia gira en EE.UU. en la primavera y el verano del 1996, y el video de “People of The Sun” fue lanzado, y censurado en MTV por contenido violento (la realidad). En la primavera RATM salió nuevamente de gira, siendo banda soporte de U2 en su gira PopMart. Todas las ganancias de estos conciertos fueron directo al apoyo de organizaciones políticas y sociales.

Evil Empire

“The Battle of Los Angeles” es lanzado el 2 de noviembre y alcanza el puesto número uno del top 200 del Billboard. RATM aparece en Late Night With David Leterman de la CBS tocando el vivo desde las calles de Manhattan. En diciembre realizan una gira por EE.UU. y a principios de 2000 realizan un tour por Europa junto a los ingleses de Asian Dub Foundation

The Battle of Los Angeles

“Renegades” (2000) es una colección de temas escritos y grabados originalmente por artistas como MC5, The Stooges, EPMD, Bob Dylan, Minor Threat, The Rolling Stones, Afrika Bambaataa, Devo, Volume 10, Erick B y Rakim, Cypress Hill. Conservando el espíritu y el concepto del álbum “Renegades”, también se incluyó una nueva versión alternativa y remezclada de “The Ghost of Tom Joad” de Bruce Springsteen (anteriormente sólo disponible como sencillo en el vídeo de 1997 de los Rage).

Renegades

Todos los temas están producidos por Rick Rubin (Red Hot Chilli Peppers, Beastie Boys, Founder of Def Jam) y mezclados por Rich Costey (Fiona Apple, Ice Cube, Pavement). En Inglaterra, Europa, Canadá, Australia y Japón, la edición inicial del álbum contiene dos temas extras en directo: “Kick out the jams” y “How I could just kill a man”. Estos temas fueron grabados en directo en el Grand Olympic Auditorium de Los Angeles. “How I could just kill a man” cuenta con la participación de Sen Dog y B-Real de Cypress Hill. Estos dos temas no aparecerán en futuras ediciones

Como despedida la banda grabó un CD y DVD en directo en 2003 “Live at the Grand Olympic Auditorium” de Los Ángeles, California.

Tom Morello, Zack de la Rocha, Tim Commerford y Brad Wilk: RATM

La marcha de Zack de la Rocha para iniciar una carrera como solista debido a la fala de ideas creativas que sufría el grupo desde el lanzamiento del álbum “Evil Empire” lleva al resto de los componentes de RATM, junto a Chris Cornell, ex vocalista de Soundgarden, a formar Audioslave, que logró cierto éxito, aunque sin seguir la fórmula política de RATM.

El 29 de abril de 2007 la banda se reunió por primera vez tras seis años de separación en el Festival de Música y Artes de Coachella Valley (California) a la que siguieron diversos conciertos y festivales y el Australian Tour 2008.

Una parte importante de su identidad como grupo la constituye su ideología política izquierdista, que les ha llevado a manifestarse en numerosas ocasiones contra la política inerior y exterior de Estados Unidos. Ante todo RATM utilizaba su música como movimiento social, y como resultado se convirtió tal vez en la banda de protesta más famosa de los Estados Unidos.

Backstage

El equipo de Tom Morello es otro ejemplo de simplicidad y economia aplicada a la obtención del sonido personal del propio guitarrista. La pedalera de efectos se compone de un wha-wha clásico Dunlop Cry Baby (Tom cree que este pedal está averiado y por alguna razón desplaza las frecuencias donde actua), un trémolo Boss TR2, un Digitech Whammy (Tom es uno de los mayores culpables de la popularización de este famoso pedal que construye Digitech), un delay Boss DD2, un ecualizador DOD FX40B, un MXR Phase 90 que no funciona (pero le gusta como queda el color naranja en la pedalera) y un alimentador Pedal Power.

Pedalera de Tom Morello

Tom utilizando el kill-switch en la "Soul Power" Strat

Scott Henderson

 

 

Scott Henderson (West Palm Beach, Florida, USA 1954) es un reconocidísimo guitarrista dentro del mundo del jazz fussion, liderando durante muchos años junto al bajista Gary Willis, el grupo Tribal Tech.

Scott creció en una atmósfera de blues y rock. Con el estudio serio -transcribiendo solos y temas de John Coltrane-, de la guitarra logró dominar la armonía del jazz y dio clases por un largo período en el G.I.T. Es reconocido por su lenguaje extraño, uno de sus trade marks consiste en colocar frases bluseras sobre armonías muy complejas. Es el autor de un revolucionario texto de armonía avanzada, en el cual explica cómo funciona su método: toca principalmente con los modos que se desprenden de la escala menor armónica. Fue influido por el blues de guitarristas como Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Albert King, etc., así como del jazz de Miles Davis, -de quien rechazó un ofrecimiento para incorporarse a su banda, optando por aceptar el ofrecimiento de Zawinul (”He´s the man” Henderson dixit)-, Weather Report, Chick Corea, Joe Zawinul y otros. Los guitarristas puristas de jazz no lo ven con buenos ojos, aunque él se encargó de demostrarles que puede tocar lo mismo que ellos, cuando ellos no pueden tocar lo mismo que él.

Scott Henderson en España 2008

El estilo de Henderson es definido como jazz fusion y blues; Scott es conocido por su Blues Band, donde se destapa el gran guitarrista de blues que hay en él (ha dicho que su guitarrista favorito es Stevie Ray Vaughan, “Tiene un tempo que ni yo tengo”), su banda Vital Tech Tones (con el baterista Steve Smith y el bajista Víctor Wooten) y su vieja y ya desarmada banda, Tribal Tech. Scott ha sido parte de grandes proyectos con músicos como Jean Luc Ponty, Chick Corea, y Joe Zawinul.

Su estilo de tocar es rápidamente reconocible, ya que la calidad de interpretación y la forma en la composición e improvisación de sus solos, construyen un estilo propio. Según el mismo, está cansado de tener que buscar la palanca de trémolo cuando tiene que usarla, así que decidió mantenerla en su mano mientras tocaba y conseguir así una sonoridad tipo slide. Él mismo afirma que le encanta la guitarra slide y utiliza la palanca para ese efecto.

Scott Henderson y su Suhr Custom Orange

Sus influencias incluyen a Led Zeppelin, James Brown, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Ritchie Blackmore, Albert King y Buddy Guy, aunque empezó a tocar jazz escuchando a Weather Report, Chick Corea y la Mahavishnu Orchestra. Scott afirma que desarrolló mucho su técnica y oído transcribiendo músicos, desde Miles Davis hasta Joe Henderson pasando por Freddy Hubbard y Wayne Shorter entre otros.

Backstage

Scott utiliza exclusivamente guitarras Suhr modelo Scott Henderson construidas en madera de aliso, mástil de arce y diapasón de palorrosa indio, radio del mástil fijo de 16″, trastes 6100, clavijero Sperzel y pastillas Suhr FL. Utiliza cuerdas 11-49 para afinación en E abierta o 10-46 para una afinación estandard. Puedes ver la ficha técnica pinchando aqui

Según sus propias palabras…

“Tengo un cabezal Custom Audio Amplifiers de 100w construido por Bob Bradshaw y diseñado por John Suhr. El canal overdrive suena como un Marshall y el limpio como un Fender, por supuesto todo válvulas, con un sonido bastante vintage. En los bafles uso Celestion 25 porque los Celestion 30, cuando los toco a mucho volumen, producen como una nota doble en las frecuencias graves. A pesar de que los Celestion 25 no tienen esos graves/medios de los 30 suenan muy limpios en vivo”

Custom Audio Amplifiers OD100

“En cuanto a los efectos tengo un Voodoo-1 de Roger Mayer, un Fulltone Octafuzz, Tube Screamer Ibanez TS-808, un CAE Freddy Fuzz, un chorus Arion que produce un efecto giratorio tipo leslie, un chorus Boss CE-2 y un compresor CS-2 de Boss, que uso más con Tribal Tech para las partes limpias más jazzy tipo bossa. Tambien tengo un CAE Black Cat Vibe y un Boss SE-70.

Pedalera Henderson

“Todo lo manejo desde una pedalera Custom Electronics (Bradshaw Switching System) que uso junto con un afinador Boss TU-12, los switches on/off de la reverb, otro switch para el boost del equipo, un wha wha Vox y un pedal de volumen Roland”

Controladora Bradshaw, wha Vox, volumen Roland y afinador TU-12

Finalmente algunos videos donde conocer mejor a Scott Henderson

Hablando de su equipo…

En Santiago de Chile 2006

Atri, Green Hills Blues Festival